Primavera (allegoria della primavera), Sandro Botticelli

Primavera (allegoria della primavera), 1482, piatto della tempera, 203×314, galleria di Uffizi, Firenze

Nel 1477, Botticelli ha dipinto «la primavera» per la villa di Medici con il tema della poesia lunga in lode del Venere, il dio di Politian di amore. Questa pittura è diventato, con la nascita del Venere, due delle pitture più famose di Botticelli nella sua vita. In questa pittura, Botticelli ha usato la sua immaginazione per interpretare nuovamente i miti antichi. Le linee dei caratteri sono regolari, i colori sono luminosi e brillanti, ma c'è un suggerimento di tristezza nell'atmosfera piena della gioia e della serenità. Alla sinistra superiore dell'immagine è il dio di vento, abbraccia il dio della molla ed il dio della molla abbraccia il dio dei fiori. Il dio dei fiori decorati con i fiori spruzza i fiori sulla terra; in mezzo all'immagine sta il Venere della dea, volante sopra la sua testa che tiene l'amore di amore. Cupido, il piccolo dio di amore con le frecce; sul lato destro del Venere sono le tre bellezze che ballano congiuntamente, essi simbolizzano «il huamei», «il chasteness» e «la gioia» rispettivamente; la destra più bassa dell'immagine è l'inviato Mercury del dio principale Zeus.

«La primavera» è stata incaricata allora da Sandro Botticelli da Lorenzo de'Medici, la testa della famiglia di Medici, per decorare il suo nipote di 14 anni Pierre Francesco e la stanza del matrimonio di Semiramd, la figlia della famiglia di Piani.

La pittura è basata su una poesia dal poeta Angelo Poliziano di rinascita circa amore in primavera: una mattina in anticipo della molla, nel bello e frutteto calmo, il Venere, il dio nobilitato e affascinante di amore e di bellezza, è nel centro, sta aspettando con un'espressione rilassata ed elegante per tenere una grande cerimonia per la venuta della molla.

«La primavera» caratterizza nove figure mitiche antiche del giardino fiorito della primavera, circondate dall'arancia, dal pino e dagli alberi fertili dell'alloro, in cui le centinaia di piante e di fiori si sviluppano.

Questo giardino si occupa di dal Venere, dal dio di amore e dalla bellezza. Sta stando nel centro dell'immagine, tenente il suo vestito al a destra e a sinistra, la sua mano destra leggermente si è alzata, simbolizzando la fonte di vita per tutte le cose in natura. Botticelli ha vestito il Venere come turbante di una donna sposata, implicante che il tema avesse qualcosa fare con il matrimonio.

Sopra il Venere è il piccolo dio di amore, il cupido, che spara le frecce bendate gli occhi, confermante un proverbio occidentale: «L'amore è cieco.» I punti della freccia del cupido alle tre dee di bellezza, che sono le domestiche del giardino del Venere, rappresentanti l'amore, castità e bellezza rispettivamente e di loro stanno ballando con garbo.

A sinistra delle tre dee di bellezza è Mercury, il messaggero dei. Porta un mantello rosso coperto di modelli della fiamma, indossa i sandali alati e tiene un personale di pace con due serpenti in sua mano. I suoi gesti vanno dappertutto. , Immediatamente in primavera, tutto sulla terra recupererà e cento fiori fioriranno.

In un gruppo di statue sul lato destro del Venere, Zephyros, il dio del vento da Ovest, sta inseguendo sfrenatamente la ragazza corrente Cloris con le guance di gonfiamento. Quando Kloris con un piccolo fiore nella sua bocca è stato catturato, ha saltato in un dio del fiore in un vestito floreale splendido con un fronte radiante e la posizione che stava stando era esattamente dove fuggire Kloris raggiungerà il punto seguente. Il posto.

Il pittore ha usato la pittura più tradizionale della tempera, un pigmento quasi dimenticato che dà alla pittura la sua qualità onirica e vaga. Botticelli in primo luogo ha usato un colore scuro come base per l'immagine ed allora dipinto sul colore basso, l'effetto era leggero e trasparente.

Ma il pittore non è stato scontentato con questo e la tecnica che ha usato era più complicata di quella di tempera, cioè, la combinazione di bianco e di tempera del cavo. Il pigmento pesante di bianco del cavo può evidenziare la struttura di Luoshan in dettaglio, che è un'innovazione importante nella tecnologia di verniciatura «della primavera».

Rotture «della primavera» tramite i dispositivi d'ancoraggio dei temi religiosi nel contenuto, con i forti colori lirici e pieno dello spirito dell'autore di cura umanistica. In termini di abilità, l'artista usa più pittura tradizionale della tempera, che quasi è dimenticata. Qualità vaghe oniriche.

Botticelli in primo luogo ha usato un colore scuro come base per l'immagine ed allora dipinto sul colore basso, l'effetto era leggero e trasparente. Inoltre ha usato il cavo ed il bianco per descrivere il Luoshan sulla dea con il metodo dei inter-capelli, aggiungendo un senso di pesantezza e del realismo alla pittura, riflettente il suo stile di verniciatura realistico, che è un'innovazione importante nella tecnica di verniciatura «di primavera».

Botticelli persegue l'incanto onirico sotto forma di pittura, ma è fedele alla realtà nello spirito e l'immagine è coperta di strato di tristezza. La maggior parte dei suoi impianti sono basati sulla religione, sulla mitologia e sulla storia, che sono poetici e secolari.